British Museum
Questions :
À quoi s’intéresse le musée ?
De quel style s’est inspiré l’architecte Smirke pour construire le musée ?
De quoi à été recouvert la grande cour centrale du B.M et quand ?
Pourquoi ?
Quelle est l’oeuvre majeure du British Museum?
En quel matériau est faite la statue de Ramsès II?
Quelle oeuvre représente quelqu’un sans tête?
Que représente les ronds qui “pendent” (Aegina Treasure)?
ThE BrItIsH MuSeUm
INTRODUCTION:
Bloomsbury is an area of the center on London create between the 17th and the 18th centuries by the Russell family. It is in the South borough of Camden . This area of London shelters the famous British Museum. Bloomsbury was the seat of the British Library which was the national library of Great Britain. It shelters the Royal academy of drama, the British medical Association and "Bloomsbury Colleges" of the university of London (School of high studies and institutes).
Le british museum est un musée extraordinaire, qui est le plus ancien du monde. On y trouve des objets du monde entier (Afrique, pacifique, Asie etc…) car le musée s’intéresse à l’histoire culturelle du monde entier. Le cœur du bâtiment d'aujourd'hui a été conçu par l'architecte monsieur Robert Smirke (1780–1867) en 1823. C'était un quadrilatère avec quatre ailes : le nord, l'est, les ailes sud et ouest. Smirke a conçu le bâtiment dans le style de Reprise grec, qui a imité l'architecture grecque classique. Les traits grecs sur le bâtiment incluent les colonnes et le fronton à l'entrée Sud. Ce style était devenu de plus en plus populaire depuis les années 1750 où la Grèce et ses sites anciens ont été 'retrouvés' par les Européens de l'Ouest. Le bâtiment a été construit en finissant avec la technologie des années 1820. Le cadre du bâtiment a été fait en fonte et rempli avec la brique originaire de Londres. En revanche, le bâtiment a été recouvert d’une couche de pierres de Portland.
entrée sud : L'architecture externe du Musée a été conçue pour refléter le but du bâtiment. L'entrée Sud monumentale, avec ses escaliers, la colonnade et le fronton, a été destinée pour refléter les objets merveilleux logés à l'intérieur.
Le design des colonnes a été emprunté aux temples grecs anciens et le fronton au sommet du bâtiment est un trait commun d'architecture grecque classique.
Les résidences est et ouest (à gauche à droite de l'entrée) ont un extérieur plus modeste. Ils ont logé les employés du Musée, qui ont vécu à l'origine sur le site.
Le British Museum est mis sous une immense cloche de verre en 2000 et c'est à Norman Foster qu'est revenue la tâche de recouvrir d'une immense voûte vitrée la grande cour centrale du British Museum qui était alors abandonnée depuis plus d’un siècle et demie.
Beaucoup d’architectes dans les années 2000 décident de couvrir certains monuments avec un dôme de verre similaire pour donner un côté moderne mais également qui n'empiète pas sur le côté historique du monument, comme la verrière du musée de la Wallace Collection sur Manchester Square.
Ce geste est comparable à la création de la pyramide du Grand Louvre qui est un exemple d’architecture exceptionnel pour beaucoup.
La verrière de Foster est le véritable “clou” des travaux de réaménagement du British Museum, d'un coût total de 97 millions de livres (160 millions d'euros), ce changement radical n'a suscité ni querelle esthétique, ni véritable controverse entre les anciens et les modernes car le dôme ne peut se voir de l'extérieur.
ALLOUCHE Margaux 🍊
PRINCE Léonie 🍍
SALLÉ Laly 🍒
EVENOT Benjamin 🍓
MENANTEAU Agathe 🍌
British Museum
frise du parthénon - pierre de rosette - collecting the world
collecting the world = l’influence de l’art (salle 2, rez de chaussée)
En 300 après JC environ, l’influence de l’empire romain s’est étendue en Europe, en Grande Bretagne et au-delà . A cette même époque, quand l’empereur de Constantinople décide de changer sa capitale de Rome pour Constantinople, il souhaite établir le christianisme comme la religion officielle. Progressivement, la culture chrétienne a remplacé celle de l'empire romain antérieur, en s'appuyant sur le passé païen classique tout en forgeant un nouveau langage artistique. En effet, en tant que nouvelle religion, le christianisme s’est installé dans l’art et la culture: on retrouve alors des symboles et des événements chrétiens. Au fil du temps, cet art est de plus en plus stylisé grâce à de nouvelles techniques.
L’Empire byzantin comprend la partie est de l’Empire Romain: sa capitale, Constantinople, est devenue un centre artistique puissant. L'art byzantin se développe à partir de l'art romain, lui-même profondément influencé par l'art grec antique. L'art byzantin a toujours conservé en mémoire cet héritage classique. L'art produit au cours de l'empire byzantin, est surtout marqué par le développement d'une nouvelle esthétique. La caractéristique la plus marquante de cette nouvelle esthétique est qu'elle est abstraite. Si l'art classique est marqué par la tentative de créer des représentations de la réalité, l'art byzantin semble avoir renoncé à cette tentative en privilégiant un art plutôt symbolique. Les arts « mineurs » (c'est-à-dire la création de bijoux, l’orfèvrerie, céramique, etc) sont produits en grand nombre dans l'ensemble de la période byzantine. Beaucoup d'entre eux étaient également de nature religieuse, mais un grand nombre d'objets sont réalisés avec des décors laïcs ou non-figuratifs.
En 410 après JC, un groupe de germanistes ont traversé la mer du nord pour venir s’installer dans une partie Sud et Est de la grande bretagne. Avec leur arrivée, ils ont su installer leurs propres cultures anglo-saxonnes, et notamment dans les objets pour les funérailles. Par exemple, les femmes étaient le plus souvent enterrées avec des objets domestiques afin de montrer leur importance au sein de la maison. Quant aux hommes, ils étaient enterrés avec des lances et des boucliers pour montrer leur rôle primordial dans la société anglo-saxonne. Les premiers anglo saxons étaient soit incinérés, et plaçaient leurs cendres dans des urnes, soit ils plaçaient leurs corps dans des tombes. Concernant leurs croyances, elles ont été peu à peu reprise dans les croyances chrétiennes en 500 après JC.
A cette époque, l’Europe est perturbé. En effet, l'Angleterre développe toute une collection de royaumes afin de s’unifier. Concernant le continent, le royaume des mérovingiens francs a été dominé par des conquêtes militaires et des missions chrétiennes. Toutefois, il existait une forte connexion entre ces deux empires. C’est pourquoi les églises et les monastères de ces deux régions, qui étaient fréquentés par des personnes riches et par les rois, constituent des lieux d’art puissants. Dans ces monuments, vers 800 après JC, le christianisme a apporté des changements culturels et artistiques dans l’artisanat, en produisant des objets exceptionnels et en décorant les manuscrits notamment. L’imagerie chrétienne est donc devenue une influence puissante sur l’art anglo-saxonne.
Plus tard, suite à l’influence culturelle de l’empire romain, celtique et autres, un style distinctif de l’art chrétien s’est développé dans les régions celtes et irlandaises. Ce nouveau style était utilisé pour décorer sur la métallurgie, les sculptures en pierre et les manuscrits remplis d’images colorées. L'art celte offre ses œuvres les plus spectaculaires dans le domaine du décor : les Celtes utilisaient séparément ou ensemble le bronze, la feuille d'or, le corail importé de Méditerranée et l'argent. Ils pratiquaient plusieurs styles d’art, mais l'orfèvrerie constitue le domaine le plus riche de l’art celtique découvert jusqu’à aujourd’hui.
The Rosetta Stone (196 Av JC) (1ère Salle à l’entrée, à gauche; salle 4):
info sur Ptolémée V
Ptolémée V est issu des lagides qui vont gouverner l'Egypte jusqu'en 30 av. J.-C. et y développer une civilisation relativement brillante. La dynastie compte une quinzaine de souverains qui portent tous le nom de Ptolémée, épousent leur sœur ou une femme de leur famille proche, mais jamais une Egyptienne. Cléopâtre VII, la célèbre, sera la dernière reine de cette dynastie avant que l'Egypte ne devienne une province romaine.
Fils de Ptolémée IV et d'Arsinoé III, Ptolémée V est roi à cinq ans: il est couronné à Memphis en 197, événement commémoré par la célèbre pierre de Rosette. Lors de la cinquième guerre de Syrie (202-195), Antiochos III lui enlève ses possessions avant de lui faire épouser sa fille Cléopâtre I. Il meurt à 28 ans, vraisemblablement empoisonné, laissant deux fils mineurs, les futurs Ptolémée VI et Ptolémée VIII.
Pierre de Rosette (196 Av JC)
Largeur: 75.7cm
Epaisseur: 28.4cm
Poids: 762 kg
Fragment de Stèle avec Gravure sur Granodiorite (roche magmatique proche du granite)
Culture: Dynastie des Ptolémées, Egypte ancienne
Date et lieu de découverte: juillet 1799 à Rosette (Égypte dans le delta du Nil, ville portuaire)
La stèle comporte le même texte écrit en 3 écritures différentes et a permis le déchiffrement des hiéroglyphes au XIX siècle
Juillet 1799. C’est au cours de l’expédition menée par Napoléon en Egypte que fut découvert la fameuse pierre de Rosette. Cette découverte allait mener Champollion 23 ans plus tard à déchiffrer les hiéroglyphes égyptiens.
Comme on peut le voir sur la photo ci-contre la pierre de Rosette comporte 3 parties distinctes.
Chaque partie utilise une écriture différente.
1) Les hiéroglyphes:
A l’époque ptolémaïque, les hiéroglyphes étaient exclusivement réservés aux écrits religieux et aux décrets du temple.
2) L’égyptien démotique:
écriture cursive et populaire.
Toujours écrite de droite à gauche et en lignes.
3) Le grec:
était la langue utilisée dans tous les écrits administratifs de l’époque ptolémaïque.
L'inscription = décret promulgué à Memphis par le pharaon Ptolémée V en 196 av. J.-C. Le décret écrit en deux langues (égyptien ancien et grec ancien) et trois écritures : égyptien en hiéroglyphes, égyptien démotique et alphabet grec.
Ce décret annonce que Ptolémée V commémore le couronnement de Ptolémée à cinq ans quand il accède au trône.
Transportée à Londres et exposée au British Museum dès 1802, elle est l'objet le plus visité de ce musée.
Juillet 1799: C’est au cours de l’expédition menée par Napoléon en Egypte que fut découvert la fameuse pierre de Rosette. Cette découverte allait mener Champollion (un égyptologue français qui fut le premier à déchiffrer les hiéroglyphes, il est considéré comme le père de l'égyptologie) 23 ans plus tard à déchiffrer les hiéroglyphes égyptiens.
Comme on peut le voir sur la photo ci-contre la pierre de Rosette comporte 3 parties distinctes. Chaque partie utilise une écriture différente.
Pourquoi trouve-t-on 3 écritures différentes
sur la pierre de Rosette ?
En 332 av. J-C., Alexandre le Grand s’empare de l’Egypte. Après sa mort, son général Ptolémée I se chargera de gouverner l’Egypte. Ses descendants, les Ptolémées, règneront sur le pays durant les 300 ans qui suivront.
La période ptolémaïque amènera une fusion des cultures grecques et égyptiennes. Le grec devint la langue officielle de la cour tandis que l’usage des hiéroglyphes fut cantonné aux prêtres. L’égyptien démotique, quant à lui, était l’écriture courante, utilisée au quotidien.
La pierre de Rosette
En 1799, les soldats du lieutenant français Bouchard découvrent à el-Rashid (Rosette), localité du delta du Nil, une pierre en granit noir.
La pierre dite "de Rosette" est un fragment de stèle gravé d'un décret sacerdotal en l'honneur du roi Ptolémée V Epiphane, daté du 27 mars 196 av. J.C.
Cette découverte est d'une importance capitale pour l'égyptologie car le décret comporte trois textes identiques, inscrits en hiéroglyphes, en démotique (écriture cursive de l'égyptien) et en grec. Le texte grec donne ainsi le contenu de la version égyptienne.
Les anglais exigent alors la pierre de Rosette comme prise de guerre. Remise à l'Angleterre en 1802 aux termes du traité franco-anglais d'Alexandrie, elle se trouve depuis lors au British Museum.
Champollion s'en procure une copie grâce à un ami vétéran de l'armée.
Après des années de travail acharné, il réussit enfin à percer le mystère du déchiffrement des hiéroglyphes, le 14 septembre 1822. Il s'exclame alors "Je tiens l'affaire !" avant de tomber en syncope devant son frère Jacques-Joseph.
Le décret énonce les décisions prises le 27 mars 196 av. J.C. par l'assemblée des prêtres égyptiens, réunis à Memphis pour honorer Ptolémée V Epiphane et Cléopâtre Ière.
"Attendu que le pharaon Ptolémée (...) accomplit de nombreux bienfaits pour les temples d'Egypte et pour tous ceux qui sont sous son autorité de pharaon : il est, en effet, (...) quelqu'un dont le coeur est bénéfique envers les dieux, quelqu'un qui a donné force argent et beaucoup de grain aux temples d'Egypte ainsi que toutes sortes de bonnes choses pour faire qu'advînt la paix en Egypte et que fussent bien fondés les temples, quelqu'un qui a aussi donné des récompenses à l'armée entière qui est sous sa haute autorité..."
La Frise du Parthénon (ou "Frise des Panathénées"): (salle 18 ground floor)
Tour : salle ronde de l’entrée : -> prendre la porte “ouest”, à gauche de la salle)
-> Traverser les salles: 4, 8, 23, et 17.
La Frise du Parthénon, aussi appelée “Frise des Panathénées” est une frise grecque en marbre, d’une longueur de 160 mètres. Elle entourait la partie extérieure du Parthénon, un temple en l’honneur de la déesse Athéna, situé sur l’Acropole d’Athènes. Sa construction a été ordonnée par Périclès, un stratège, orateur et homme d'État athénien qui dirigea l'empire athénien de 461 av. J.-C à sa mort, en 429 av. J.-C.. Cette frise représente 378 figures humaines et 245 animaux. Elle a été sculptée entre 442 et 438 avant J.C. par plusieurs artistes mais sous la principale direction de Phidias, un sculpteur du premier classicisme grec.
L’interprétation la plus répandue concernant cette oeuvre est qu’elle représente la fête annuelle et religieuse des Panathénées, qui se déroulait à Athènes du 23ème au 30ème jours du mois d’ “’hécatombéon”, soit le mois de juillet d’aujourd’hui. Tous les quatre ans étaient organisées les Grandes Panathénées, qui duraient trois à quatre jours de plus, et lors desquelles les athéniens participaient à des jeux Panathénaïques. Les premières grandes panathénées ont été organisées par Pisistrate, le premier tyran régnant sur Athènes, en 566 av. J.-C. et étaient inspirées des jeux olympiques. La fête des Panathénées était donnée en honneur aux dieux, et plus précisément à Athéna. La frise représente la “procession du peplos”, qui avait lieu durant cet évènement. Le mot “peplos”, issu du latin Peplum, désigne la tunique que portaient les femmes de la Grèce Antique. Chaque année, lors de la fête des Panathénées, un peplos brodé était offert à Athéna, la déesse grecque de la sagesse, de la stratégie militaire, des artisans, des artistes et des maîtres d'école. Ce vêtement sera plus tard remplacé par le “chitôn”, cousu avec du lin.
Au commencement de la frise, sur son côté ouest,( voir mur de gauche, après la seconde porte = sacrifice des bêtes)
sont représentés les préparatifs de la fête. La frise continue de s'observer parallèlement sur les mur Sud et Nord. (-> voir mur de droite juste en entrant -> suite sur le mur de droite en face de l'entrée) Ils représentent exactement la même chose: dans un premier temps des cavaliers, puis des chars, et sur une faible partie des hommes à pied ainsi que des musiciens, et d'autres hommes destinés à porter les offrandes.(voir mur de droite en face de l'entrée = chars + hommes) Les cavaliers représentent les athéniens participant aux jeux Panathénaïques lors de la fête. Enfin, la procession se termine du côté Est de la frise, où nous apercevons pour la première fois des figures féminines et où les animaux disparaissent. Au centre de la frise est représentée la remise du péplos à la déesse Athéna. Nous reconnaissons facilement les dieux qui accueillent la procession; il s’agit d’Athéna et d’Héphaïstos, qui est le dieu grec du feu, de la forge, de la métallurgie et des volcans. (voir mur de gauche en face de l'entrée)
Cependant, aucun texte antique ne dévoile l’explication de la frise. Ce sont les historiens et les archéologues qui ont développé cette idée sous différentes interprétations.
Dès l’achèvement de sa construction, la frise du Parthénon a eu d’importantes influences dans le domaine de l’art. Deux domaines représentés sur cette oeuvre ont notamment été réutilisés : “l’apobátês”, (qui désigne la représentation de soldats armés, descendant ou montant dans leurs chars), ainsi que le sacrifice des bovins. Nous les retrouvons dans la sculpture , la céramique, et même la poésie du début du 19ème siècle.
Après l’arrivé des blocs du Parthénon à Londres au début du 19ème siècle, leur influence a refait surface dans l'architecture et l’art de l’Occident.
On retrouve ici, au British Museum, un peu moins de la moitié de la frise. Aujourd’hui, on trouve encore un tiers de la frise en Grèce, au musée de l’Acropole d’Athènes, et le reste est dispersé dans différents musées dont le Louvre et le Vatican. L’Etat grec réclame la partie de la frise ainsi que les nombreuses sculptures du Parthénon au Royaume-Uni depuis maintenant presque deux siècles.
La construction du Parthénon
Après leur victoire sur les Perses à Platées en 479 av. J.-C., les Athéniens revinrent dans leur cité abandonnée et trouvèrent tous les édifices de l'Acropole en ruines.
Périclès voulait rebâtir la cité et en faire un centre artistique et culturel, autant que politique, de la Grèce. Pendant les trente années où il fut au pouvoir, ont été élevés de nombreux édifices comme le Parthénon, les Propylées et beaucoup d'autres.
Le Parthénon qui mesure 69,50 m sur 31m, fut construit entre 447 et 438 par deux architectes, Ictinos et Calicratès. Phidias, chef du chantier, fut chargé de la sculpture : il créa les frontons extérieurs, la statue d'Athéna chryséléphantine et la frise des Panathénées placée à l'intérieur du temple.
En 439 av. J.-C., le Parthénon fut consacré à la déesse Athéna. Il avait fallu quinze ans pour l'achever. 
Le Parthénon
Statue chryséléphantine d'Athéna
Caryatides de l'Erechtheion
Comment la frise arrive-t-elle au British Museum ?
Thomas Bruce, septième comte d'Elgin, était l'ambassadeur britannique à Constantinople en 1799 et voulait servir les Arts en rendant ses compatriotes plus au fait des antiquités grecques. Il rassembla à Athènes une équipe de peintres, d'architectes et de spécialistes des moulages.
L'année suivante, le commandant turc en place donna aux artistes l'autorisation de faire des dessins de l'Acropole, mais leur refusa celle de prendre des moulages ou de construire des échafaudages pour observer les sculptures de plus près.
En 1801, Elgin obtint un "firman", une autorisation du Sultan, qui lui permettait d'emporter toute sculpture ou toute inscription qui ne tenait pas aux ouvrages défensifs ou aux fortifications de la citadelle.
Le pillage du Parthénon commença immédiatement. Les sculptures furent descendues du temple et transportées par des marins britanniques sur un affut de canon. Le 26 décembre 1801, craignant que les Français ne fassent obstruction à son travail, Elgin ordonna l'embarquement immédiat des sculptures sur le navire "Mentor", amené dans ce but.
Au cours de l'année 1806, une des Caryatides fut emportée, ainsi qu'un coin de l'Erechteion, une partie de la frise du Parthénon, bon nombre d'inscriptions et une centaine de vases.
C'est en janvier 1804, après de nombreuses péripéties que les 65 premières caisses arrivèrent à Londres. Les mauvais traitements que subirent les Marbres étaient inévitables. Ils furent entreposés dans une cabane sale et humide ou sur les terrains de la propriété d'Elgin dans Park Lane, et y demeurèrent plusieurs années, à pourrir dans le climat humide de Londres, tandis qu'il cherchait un acquéreur.
Elgin essaya de vendre les Marbres au gouvernement britannique, mais le prix qu'il en voulait était si élevé qu'on refusa de les lui acheter. Dans une lettre qu'il écrivit en 1815, Elgin admettait que les Marbres se trouvaient toujours dans la cabane à charbon de Burlington House, pourrissant dans une humidité destructrice.
Enfin, en 1816, les Marbres furent vendus au gouvernement britannique et immédiatement transférés de Burlington House au British Museum, où une galerie fut finalement construite pour eux par Sir Joseph Duveen, à ses frais.
La collection tout entière lui fut rachetée par le gouvernement britannique en 1816 et confiée au British Museum "pour être préservée et gardée dans son ensemble".
La frise des Panathénées
Les fragments les plus importants de la frise du Parthénon sont au British Museum à Londres, au musée du Louvre à Paris et au musée de l’Acropole à Athènes. Cette frise représente la procession des Panathénées. Elle a été éxécutée par Phidias et elle illustre le lien étroit entre les habitants de la cité et ses dieux. Conduits par les magistrats, s'avancent en cortège vers l'assemblée des dieux des cavaliers, des soldats en armes, des jeunes filles portant des offrandes, des vieillards tenant en main des rameaux, des musiciens et les animaux du sacrifice. On sait par des inscriptions et des textes littéraires que, outre les citoyens, participaient à la procession des métèques et des représentants des alliés d’Athènes. La fête des Panathénées était ainsi une occasion d'affirmer la grandeur et l'unité de la cité.
La frise compte 360 personnages, 220 animaux et mesure 160 m. de long sur 1 m. de haut.
L’organisation des Panathénées (selon un recueil d'inscriptions grecques)
Afin que la procession en l'honneur d'Athéna au nom du peuple athénien soit organisée le mieux possible chaque année, et que toutes les mesures nécessaires soient prises par les magistrats responsables pour la fête célébrée en l'honneur de la déesse, le peuple décrète que les magistrats offriront deux sacrifices.
Les magistrats, après avoir acheté les boeufs, une fois la procession faite en l'honneur de la déesse, immoleront tous les boeufs auprès du grand autel d'Athéna, en réservant une des plus belles victimes pour l'autel d'Athéna Nikè (victorieuse) ; qu'après avoir fait ce sacrifice à Athéna Polias (déesse de la cité) et à Athéna Nikè, ils distribueront au peuple athénien dans le quartier du Céramique, les chairs de tous les boeufs en répartissant les portions entre les différents dèmes d'après le nombre de citoyens que chaque dème aura délégués à la procession.
Que les magistrats qui organiseront les Panathénées annuelles célèbrent avec le plus d'éclat possible la veillée nocturne en l'honneur de la déesse ; qu'ils fassent débuter la procession dès l'aube, en punissant d'une amende ceux qui se déroberont à leurs ordres.
